按：本文来自文艺评论家土佐有明的文集《Work 1999-2008》。译者，tRutHzzz，现居重庆，英语老师，喜欢听歌，业余时间主持一档介绍音乐的重庆话电台《理响谈》，全平台都可搜到。标题为编者所加。
翻译习作，如有不妥，欢迎指正。
Little Creatures，1987年成立于和光高中，三名成员分别为：青柳拓次（vocal & guitar）；鈴木正人（bass & keyboard）；栗原務（drum & percussion）。
Little Creatures：《Future Shocking Pink》我会被有“空隙”的音乐所吸引，也可以说会被有“空缺”的音乐吸引。不是那种每个音都很满的音乐，也不是非得有留白才行，我喜欢的音乐是居于两者之间的那种模糊不清的状态，笨拙而粗暴地去理解反倒破坏了整个氛围。去年听了无数遍的羅針盤（2005年解散，解散前核心为山本精一，其余成员为吉田正幸、西浦真奈）就是这类音乐的典型。不是那种每个音都很满的音乐，也不是非得有留白才行，我喜欢的音乐是居于两者之间那种模糊不清的状态，笨拙而粗暴地去理解反倒破坏了整个氛围。去年听了无数遍的羅針盤（2005年解散，解散前核心为山本精一，其余成员为吉田正幸、西浦真奈）就是这类音乐的典型。虽然这样说起来有点儿笼统，但在可以被叫做J-POP的音乐中，像这样起决定作用的“空隙”我认为是不够的。那为何就只有这种程度呢？这样说吧，音乐里的“空隙”被填得满满当当；能感受到快溢出来的激动，然而却只有这种激动；整体效果相当粗犷，没有一点儿细腻的内容。如此工业模板化的感受，对我来说，无论如何都喜欢不了。实际上这也不仅限于音乐这一领域。万事万物，要是都朝着“越简单粗暴越容易理解”的方向驶去，那不就完了吗？这样做了之后或许会产生“多么亲切多么贴心啊~”的感觉，但简化程度完全不给接受者以想象的余地，那又有什么意思呢？模糊不清的东西，保持原样就挺好了，没必要非得拆解成一个个清晰的元件吧。既然说到要重新认识音乐中所谓“空隙”的重要性，就可以听听Little Creatures这张耗费三年多才发行的专辑。毋庸置疑，乐队完全考虑到了听众的想象力，而且特别清楚如何让它们在聆听作品的时候蓬勃生长。和前作相比，这张专辑的调子并没有太多变化。初听是club music，再听还会发现巴西音乐和afro beat的身影。曾经在英国留学的青柳拓次觉得当地club很有意思，受到了非常大的启发，大家可以在音乐里切实地听到他所受的这些影响；本作另外一个特征是：还可以在音乐中听到drum n’ bass以及电子设备里模拟原声乐器演奏的节奏型。（译者注：这里原文有一个术语“4-on-the-floor”，据wiki说是七十年代流行的一种electronic music的节奏，希望有音乐专业的朋友可以解答一下。）乐队成员十来岁便正式出道。首张专辑发表后的第二年，其中两位成员便赴苏格兰学习音乐去了。近两三年，成员们熟练地为其他很多歌手写歌并且参与制作，音乐方面的知识相当丰富，并且也确确实实有足够的技术将积累的东西表达出来。恐怕各种想法都有点儿应接不暇了。尽管如此，他们并没有把这些东西一股脑全部塞进音乐里，反而是压制住了自己旺盛的欲望，如此明智，实在是厉害！每个音之间泛起的欢腾、其间丰富的细微差异，真是令人心驰神迷啊。
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